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El escritor Franz Hessel (1880-1941) teorizó en su libro Paseos por Berlín (1929) sobre el nacimiento de un nuevo tipo de urbanita, el flâneur, ese pequeñoburgués que podía permitirse caminar despreocupado por la ciudad y descubrir, con una nueva mirada, rincones antes inadvertidos. En esa manera distinta de percibir la metrópoli fue clave el papel de la fotografía. La galería madrileña Casa Sin Fin (que lleva poco más de un año en esa cuesta del arte que es la calle del Doctor Fourquet) ha recuperado fotos de aquellos profesionales —que dieron un giro a su oficio en el Berlín de entreguerras— para su exposición Sospechosos. Flâneur en Berlín, título que procede de uno de los capítulos de la obra de Hessel. Al fin y al cabo, un tipo que deambulaba despacio por la ciudad mientras todos a su alrededor caminaban deprisa era sospechoso a ojos de sus paisanos.

En la muestra de Casa Sin Fin hay instantáneas de fotógrafos como Friedrich Seidenstücker, con sus tomas cenitales de berlineses en los cafés de la capital y de momentos cotidianos sin importancia; las de la pareja Sasha y Cami Stone; las fotos de industrias que realizó Paul Wolff o el fotolibro Berlín, del refinado Mario Bucovich. «Para estos profesionales, la ciudad era un organismo vivo», dice Julián Rodríguez, comisario de la exposición junto a Irene Antón. «Ellos contaron cómo se estaba transformando una sociedad que parecía vivir la belle époque de París diez años después».

El trabajo de estos reporteros quedó reflejado en un libro célebre, Menschen auf der Strasse (Gente en la calle, 1931) de J. Engelhorns Nachf, en el que expresaban la máxima de Hessel: «Conceded a la ciudad un poco de vuestro amor por el paisaje», como escribió el padre del recientemente fallecido Stéphane Hessel.

República de Weimar

Los fotógrafos de esos últimos años de la República de Weimar publicaron en las mismas revistas, viajaron por Europa y «catalizaron un momento especial en la técnica de la fotografía y en la historia de su país», señala Rodríguez. Sin embargo, su suerte fue dispar, mientras Seidenstücker (1882-1966) «era reconocido y trabajó para instituciones», Peter Weller (1868-1940) tuvo gran éxito con su estudio berlinés al que acudieron a aprender de él, entre otros, Robert Capa. Wolff (1887-1951), difusor de las nuevas maravillas de la máquina Leica, se ocupó de la foto fija de las películas propagandísticas de la cineasta Leni Riefenstahl y Mario Bucovich (1884-1950) se hizo popular por retratar a las estrellas del cine alemán.

Fotolibro ‘Berlín’, de Mario Bucovich, que se muestra en la exposición ‘Sospechosos. Flâneur en Berlín’.

Distinta fue la situación del matrimonio Cami y Sasha Stone (uno de cuyos fotolibros también se expone) por su ideología antinazi. En el caso de Erika Groth-Schmachtenberger (1906-1992), los seguidores de Hitler usaron sus series Trabajos en el campo y Usos y costumbres para idealizar la raza aria.

El tornado de la guerra mundial provocó que la obra de algunos de ellos se destruyera o dispersara. «Lo que hizo el matrimonio Stone está aún por descubrir», destaca Rodríguez: Cami (1898-1975) fue una de las pioneras del fotoperiodismo y de la nueva fotografía publicitaria. La vida de su esposo, Sasha (1895-1939), merece una película: nació en San Petersburgo, se marchó a Nueva York, estudió escultura en París y Berlín, fue conocido por sus retratos de desnudos femeninos y murió cuando intentaba huir de la guerra para escapar a EE UU. Seidenstücker «está cobrando cada vez más valor» por su obra sobre el Berlín en ruinas.

El legado de estos fotógrafos fue enseñar el nuevo escenario berlinés, la luz de una ciudad que, como dijo Hessel, «estaba en el trance de convertirse en algo diferente».

elpais.com, Cultura, Manuel Morales (11/03/2013)

Después de décadas de nomadismo, el apátrida se ha comprado 30 metros cuadrados de sosiego en Arles, la capital estival de la instantánea. Para tomar aire. Su pequeño estudio en esta localidad del sur francés es el entreacto de su gigantesca función, la que inició hace 20 años, cuando disparó el primer negativo entre tinieblas. Desde entonces Antoine D’Agata no ha dejado la noche, su lugar en un mundo cuyo lado oscuro ha retratado sin tregua.

Tras años en las mazmorras, este marsellés sale del abismo para poner el acento en el mensaje político que hay tras su objetivo. Su grito de denuncia se llama ‘Anticuerpos’ y ocupa las salas del centro Le Bal, en París. Habla de la violencia del mundo y sus efectos en los cuerpos rotos por la bofetada que la realidad les ha dado.

Su obra es un espejo incómodo que habla de la violencia sonámbula, la de los prostíbulos y las drogas. Aunque esta violencia nocturna, explica el artista a ELMUNDO.es, es sólo un reflejo de la diurna, la institucional. «La violencia es algo universal: la económica, la del trabajo, la de la guerra, la explotación. Yo documento el sufrimiento del mundo en el que vivimos todos y como éste habita en los cuerpos».

‘Anticuerpos’ habla del individuo que intenta sobrevivir a ese azote sibilino que erosiona desde la penumbra la carne. «Sus heridas son en realidad un antídoto a la muerte, a ese mal que se le inflige desde los distintos ámbitos«, explica. En sus retratos amorfos, sus desnudos cadavéricos de mujeres de la calle y sus torsiones enfermas y fantasmales habita «una forma de dignidad, de pureza», de pulsión de supervivencia.

Heridas

Sus cuerpos hablan de una herida que supura para expulsar el daño, intentan buscar su lugar en esa existencia tortuosa. El propio d’Agata participa en esa marginalidad con su propia carne maltratada, torturada a pinchazos de adicción. Por eso la exposición es una autobiografía, recorre el descenso a los infiernos del artista.

«He tratado de darle coherencia a todo mi trabajo, de intentar que se entienda mejor su lado político. Hasta ahora solo había mostrado el extremo de la violencia de noche, pero ese es solo el revés de la moneda. Por primera vez quería poner la violencia de la noche en el contexto de la violencia del día. Mostrar cómo esos dos mundos coexisten», explica.

Sus escenas de sexo con prostitutas, sus autorretratos y sus escorzos desnudos son incómodos de mirar. El propio Antoine lo reconoce. Dice que si no formara parte de la prestigiosa agencia Magnum la gente le tomaría por un loco. Cree que ahora el espectador sí está más preparado para entender su trabajo. La crisis ha extendido esa violencia que antes solo sufrían algunos. Ahora todos nos vemos reflejados en el mismo espejo, víctimas de una misma maquinaria que deslavaza cuerpos y los lleva a la autodestrucción.

«La gente vive la crisis casi de manera física. Ahora comprenden el sufrimiento, la intensidad y la tensión que emerge de la economía. Antes era más fácil rechazar las fotos porque no les afectaban, pero ahora el espectador está más sensible a unas imágenes que antes consideraba excesivas. Es más fácil tener empatía con la gente frágil y torturada».

Potente instalación

Por eso la retrospectiva es una nota a pie de foto. Un intento de que se entienda un mensaje a veces de difícil lectura entre tanta oscuridad. Una manera de hacerle justicia a su obra fotográfica. «Había muchas dudas sobre el trabajo de Antoine, a veces se ha malinterpretado, porque es difícil de entender y porque el mensaje no es evidente. Era necesario hacer una relectura», explica la comisaria de la muestra, Fannie Escoulen.

Para el equipo encargado de organizarla fue todo un reto resumir más de 20 años fotografiando la noche. Era necesario pensar en una instalación «lo suficientemente potente como para mostrar la fuerza del trabajo experimental de D’Agata», para que el mensaje fuera limpio y no haya más equívocos.

La solución fue forrar las paredes de la sala con fotografías con distintos tamaños y encuadres, dispersas, mezcladas las de ayer y las de hoy, las viejas y las nuevas. Situaciones más clásicas, más documentales, con otras más experimentales, las primerizas en blanco y negro con las últimas de color. A medida que avanza la cronología, su objetivo se va sumergiendo en una oscuridad cada vez más abrupta.

Cuerpos desnudos, muecas cadavéricas y carne de heroína camboyana. También soldados en la penumbra cisjordana de la segunda Intifada, paisajes derruidos. Todas hablan de la misma violencia del mundo, la urbana, la sexual o la bélica, de día o de noche. El mismo horror. Por eso, explica Escoulen, aunque «el ensamblaje no parecía fácil, sí funciona la comunión».

Relato a dos voces

De las paredes emanan dos voces. Por un lado, la del fotógrafo «que explica como entiende el mundo en el que vive. El de la noche es el único en el que él puede existir. Para él es difícil enfrentarse a ese mundo real, con su violencia. Pero no se tapa los ojos, sino que lo afronta como un torero que entra a matar», dice su mecenas.

Junto a la de Antoine está el grito de sus mujeres, las prostitutas con las que ha compartido su vida, sus amantes, amigas y confidentes, compañeras de herida. «El tema central siguen siendo sus mujeres, victimas de la violencia del mundo. Con las que establece una relación tierna, a pesar de la dureza de las imágenes., las ayuda, con las que se enamora y mantiene relación de amistad», dice.

La serie ‘Ice’, que se expuso hace unos años en Madrid, es una bofetada en la cara. Por explícitas y duras. «La autodestrucción en estas mujeres es una reacción a la violencia que el mundo ejerce sobre ellas», explica el fotógrafo. «Yo tengo la libertad de entrar y salir. Ellas no. Solo tienen la capacidad de sobrevivir con sus medios. Las imágenes son un grito sincero, de denuncia inconsciente, no contra el hombre, sino contra el sistema. Sus palabras salen del silencio», dice.

Una tregua

La exposición descubre a un D’Agata escritor y cineasta. Por primera vez se exponen sus notas, su prosa íntima que apoya esa mirada. Tras el infierno de adicción que vivió en Camboya, estuvo 15 meses sin hacer fotos. Sufrió un bloqueo. La cámara de vídeo le ha ayudó a compensar el vacío que los narcóticos le dejaron y poder avanzar.

«Era una salida de urgencia», explica. No era una elección. La foto condensa la intensidad del momento. El vídeo no está en la accidentalidad del momento, hay otra intensidad y otra verdad, abre otras perspectivas. Su implicación en la fotografía ha sido tan dura que necesitaba el vídeo para poder avanzar.

‘Anticuerpos’ le ha aliviado, pero también agotado. Lleva varios días en París, de librería en librería, de sala en sala, predicando su mensaje. Tras años de evasión permanente, el eterno errante tiene ganas de echar el ancla.

Raquel Villaécija, elmundo.es (26/02/2013)

Man Ray, uno de los artistas más imaginativos y versátiles del siglo XX como exponente de los movimientos dadaísta y surrealista, se consideraba un pintor por encima de todo. Solo aprendió el dominio de la fotografía —y de forma autodidacta— para documentar y reproducir sus piezas de arte, pero acabó revolucionando el género con técnicas innovadoras y un estilo muy personal que inmortalizó a una vasta nómina de celebridades de su tiempo. La National Portrait Gallery ha conseguido reunir en Londres (hasta el 27 de mayo) una destacada muestra de esa colección de retratos, con un centenar y medio de imágenes que abarcan desde su amistad de juventud con Duchamp y Picasso hasta su desembarco en un Hollywood repleto de estrellas.

La primera exposición que brinda Reino Unido al Man Ray retratista incluye fotografías conocidas, puesto que muchas pasaron a la posteridad por la destacada personalidad de sus protagonistas y aparecieron en las portadas de publicaciones de su tiempo, aunque también suma imágenes inéditas para el público británico.

Nacido en el seno de una familia de inmigrantes ucranianos de Filadelfia, el encuentro de Emmanuel Radnitzky (1890-1976) con el artista francés Marcel Duchamp embarcó al antiguo estudiante de arquitectura y pintor vocacional en el experimento dadaísta y escoró su incipiente carrera hacia el arte de vanguardia. Duchamp, su mentor y gran amigo de los tiempos de Nueva York, aparece retratado en 1916 de espaldas a la cámara, la parte posterior del cráneo rasurada en forma de estrella. Solo la enorme pipa que sobresale tras la cabeza permite identificarlo.

Aquella alianza artística y personal animó a Man Ray, desde entonces su nombre de guerra, a trasladarse a París en 1921, una época de la que datan sus primeras fotografías de Pablo Picasso, a quien definió como “un hombre que reacciona violentamente a todos los impactos, pero tiene un único medio para expresar sus sentimientos: la pintura”. El Picasso de aquellos tiempos posa con la cabellera repeinada, corbata y chaleco, un atuendo formal que solo aparece desbaratado por un jersey de lana clara que sustituye a la chaqueta. En años sucesivos volvería a ser el centro del objetivo de Ray, con una actitud especialmente distendida en compañía de Jacqueline.

El poeta, dramaturgo y director de cine Jean Cocteau o el arquitecto Le Corbusier destacan entre los modelos del fotógrafo, así como la escritora Virginia Woolf (portada de la revista Time) durante una escapada del autor a Londres, si bien la gran protagonista de su etapa parisina es la amante, modelo y posterior colaboradora Lee Miller, personaje esencial en la singladura de Ray.

La enorme reproducción del perfil de Miller abre la exposición de la galería. La imagen de esa belleza rubia y de corta cabellera invierte parcialmente las zonas de luz y las oscuras, con un reborde que subraya el contraste. Los numerosos retratos que el artista ejecutó de su musa proyectan una modernidad por encima de los años treinta en los que fueron ejecutados, o ilustran la fascinación de los surrealistas por las formas femeninas.

El estallido de la II Guerra Mundial forzó el regreso de Ray a su tierra natal y la inmersión en los estudios del cine hollywoodense, donde él mismo se autorretrató. Allí conoció a la que se convertiría en su compañera durante los siguientes 37 años, Juliet Browner, y fotografió a la “absolutamente cautivadora” Ava Gardner, vestida con el atrezzo de la película Pandora y el holandés herrante (1951). Se trata de imágenes que distan mucho de los proyectos experimentales que definieron su primera etapa, en unos tiempos donde ya se había consolidado como reclamado fotógrafo.

El juego artístico e irónico a base de “objetos encontrados” que cultivara con Duchamp reaparece en la imagen que cierra la exposición, tomada tras el regreso de Ray a París, donde falleció a los 86 años: Catherine Deneuve, recién filmada la cinta Belle de Jour con Buñuel, posa en 1968 para la cámara de Man Ray rodeada de objetos personales del autor, de símbolos de su vida y de una obra singular.

EL PAIS. Cultura (14 Feb 2013)

El fotógrafo sueco Paul Hansen ha ganado la 56º edición del World Press Photo, correspondiente a 2012, con una imagen de Gaza. La imagen muestra la desesperación de dos hombres palestinos que llevan el cadáver de unos niños, muy pequeños, envuelto en sábanas blancas. El galardón es el más importante de su clase en el mundo, y al jurado le ha impresionado la forma en que Hansen ha sabido plasmar esa tragedia: “Ahí está todo, el dolor y el enfado; la desesperación y la pérdida. La fuerza de la foto radica en ese contraste con la inocencia de los pequeños. No se puede olvidar”, ha dicho Mayu Mohanna, miembro peruana del jurado.

Hansen, que trabaja para el diario sueco Dagens Nyheter, explica que los hombres llevaban a los menores por las calles de Gaza hasta la mezquita. El cadáver del padre sigue detrás, en una camilla, y envuelto también en lienzos blancos. Los chicos, Suhaib Hijzi y su hermano, Mohamed, tenían dos y tres años y perecieron en el bombardeo que destruyó su casa. El misil que reventó el edificio provenía del Ejército israelí.

El fotógrafo español Bernart Armangué (Barcelona, 1978) gana en la categoría de Spot news stories (historias de actualidad) con una imagen también tomada en Gaza, el pasado noviembre, para la agencia Associated Press donde trabaja.

Gaza (Noviembre de 2012). / BERNART ARMANGUE

 

Daniel Ochoa de Olza obtiene un segundo premio en la categoría de Retratos con un reportaje del regreso a los ruedos del torero Juan José Padilla. El fotógrafo también trabaja para la agencia AP. Emilio Morenatti se hace con un tercer premio en la categoría de temas contemporáneos, con una serie de imágenes de las manifestaciones de Barcelona contra los recortes, el 29 de marzo de 2012, para AP.

El español Samuel Aranda fue el vencedor del certamen en 2011, con la imagen de un herido en Yemen durante las revueltas de la primavera árabe. Publicada en The New York Times, y tomada en la capital Sana, mostraba a una mujer cubierta con un velo consolando a un familiar herido.

El World Press Photo fue creado en Holanda en 1955, cuando los fotógrafos nacionales transformaron su propio concurso en uno internacional. El primer trofeo fue entregado en Ámsterdam. La Cámara de Plata holandesa se sigue otorgando, pero el poder de convocatoria de World Press Photo fue inmediato: el primer año, 42 fotógrafos de 11 países presentaron 300 imágenes. Para 1990, los aspirantes al premio sumaban ya 1.280 llegados de 64 países y con 11.043 fotos. Esta vez, han sido 5.666 candidatos de 124 países, con 103.481 fotos en mano. Además de 10.000 euros en efectivo, el ganador Hansen se llevará una cámara Canon y un lote de lentes.